Andy Warhol

DOLORES MAYÁN

Andy Warhol

Warhol &amp ; Dance

Andy Warhol - Louise Bourgeois

Georgia O’Keefe and Andy Warhol.

Warholfoundation

Guggenheim/Andywarhol

Andy Warhol & John Lennon

Andy Warhol and Mick Jagger

Warhol & Dance

El trazo desconocido de Andy Warhol

 

Ivorypress inaugura nuevo espacio en la capital con dibujos inéditos del artista

ISABEL LAFONT - Madrid - 27/10/2010

No hay latas de sopa Campbell, ni cajas de detergente Brillo ni marylines serigrafiadas. Lo último de Andy Warhol es una serie de dibujos de bailarines, coreógrafos, críticos y otros personajes que poblaban la escena de la danza neoyorquina cuando llegó a la ciudad, apenas con 20 años, en los años cincuenta. La exposición Warhol and dance, New York in the 50's, que hoy se inaugura en Ivorypress, reúne 60 dibujos en tinta sobre papel Manila en los que el artista, aún lejos del icono del arte pop en que se convertiría en la siguiente década, "ofrece un compendio simbólico -aunque incompleto- de la efervescente creatividad que convertiría a Nueva York en la capital mundial de la danza entre los años sesenta y los noventa", explica Anna Kisselgoff, crítica de danza de The New York Times y autora del texto del catálogo de la muestra.

"Tras Madrid, las obras no volverán a verse", dice Elena Ochoa

La muestra rompe el estereotipo del público sobre el rey del arte pop

Los retratos de los bailarines Alexandra Danilova, Jacques d'Amboise, John Butler, Geoffrey Holder o Nala Najan, o de críticos como Walter Terry o Hope Sheridan reflejan la fascinación de Warhol por las artes escénicas, pero también son, según Neil Printz, editor de su catálogo razonado, "ejercicios para entrenar la mente y la mano" de un joven artista.

Esta muestra inaugura el nuevo espacio de Ivorypress, 180 metros cuadrados que se suman a los 800 del local principal, en el que hasta el próximo sábado puede recorrerse la obra del visionario arquitecto Buckminster Fuller que incluye un modelo de su futurista automóvil Dymaxion. "Este espacio II funcionará de forma independiente al I y se dedicará exclusivamente a obra en papel, fotografía y ediciones especiales", explicaba ayer desde Nueva York, horas antes de viajar a Madrid, Elena Ochoa, alma de Ivorypress. "Mi experiencia es que este tipo de trabajos requieren un local más pequeño, más controlable en todos los sentidos. Además, nos dará más flexibilidad para organizar exposiciones que no necesiten programarse con tanta antelación como las del otro espacio".

Para Ochoa, los dibujos de danza de Warhol encajaban a la perfección para inaugurar el nuevo espacio que, como el primero, ha sido diseñado por su esposo, el arquitecto Norman Foster: "Se trata de un periodo del artista muy poco conocido y se puede descubrir su habilidad y destreza en ese dibujo mattissiano, limpio". Antonio Sanz, director de Ivorypress, apunta que esta muestra rompe el estereotipo que late en la mente del público sobre el rey del arte pop: "No es el artista que produce de forma industrial, sino que muestra su faceta más delicada, más íntima". Los dibujos salieron a la luz gracias al galerista austriaco Thaddaeus Ropac, que los seleccionó de entre los fondos de The Andy Warhol Foundation for The Visual Arts, institución que custodia el legado del artista. El pasado verano se expusieron en la galería de Salzburgo de Ropac y, el pasado septiembre, en su sala parisina. "Todos, salvo cuatro o cinco, han sido adquiridos por coleccionistas o por instituciones. Tras la exposición de Madrid no volverán a verse", señala Ochoa, que ya tiene en mente quién sustituirá a Warhol en las paredes del espacio II: una serie desconocida de fotografías de Anselm Kiefer.

Esta tarde, la presentación de los dibujos de Warhol contará con Bianca Jagger como maestra de ceremonias de excepción. La hoy activista a favor de los derechos humanos fue en su día habitual de la escena social neoyorquina y una de las grandes amigas del fundador de The Factory. Andy Warhol as seen by Bianca Jagger (Andy Warhol visto por Bianca Jagger) es el título de la charla en la que la ex mujer de Mick Jagger compartirá sus recuerdos y experiencias con los asistentes.


 Warhol Timeline

Elena Ochoa Foster

Elena Ochoa Foster, fundadora y directora de Ivorypress, en entrevista con Gustavo Pérez Diez, de ARTEINFORMADO, reconoce que se ha pasado la vida "apostando por lo imposible y haciéndolo posible, con la fuerza que da el optimismo conscientemente exuberante, y a veces irracional. Sin él, no haría nada, no se crearía nada". Deja traslucir en una de sus respuestas que no mira mucho hacia atrás, como cuanto afirma que: "Ivorypress será tan excelente como su última exposición o proyecto, como el último libro que publique. Ivorypress abre la puerta cada día y la ha abierto hoy, esto es lo que me importa". Por eso, a pesar de que van a cumplirse casi dos años desde que su espacio Ivory Art + Books abrió sus puertas, en un garaje de unos 1400 metros en la calle Comandante Zorita, en Madrid, no le interesa nada hacer ningún balance: "Balance, no hago ningún balance, no tengo tiempo ni quiero hacerlo". Lo que sí le interesa y mucho es: "Publicar buenos libros en contenido y en forma. Producir exposiciones que inspiren a cuantos más mejor o descubran nuevas formas de ver... Realizar proyectos que den rienda suelta a la creación de individuos con talento. Es lo que importa". En este período de tiempo que lleva abierto Ivory Art + Books, se han podido ver obras de artistas como: Ai Wei Wei, Norman Foster, Miroslav Tichy, Michal Rovner y Claes Oldenburg, entre otros. A Ochoa Foster a la hora de programar en su espacio "le da igual que el artista, arquitecto o diseñador, esté consagrado o no" y le molesta y mucho, la distintinción que se hace entre artistas consagrados o no: "Me molesta y últimamente me produce rechazo visceral esta categorización". Para la responsable de Ivorypress, como se puede leer en el inicio de su página web, "el único criterio para la inclusión en alguno de su proyectos es el 'talento'". Seguro que podremos seguir contemplándolo en el 2011, como nos adelanta: "El año que viene tendremos artistas revolucionarios como John Gerrard o intelectualmente sutiles como Luisa Lambri, y otros que se presentarán en el programa que se publicará en enero". Antes, se podrán ver las exposiciones "Warhol & Dance. New York in the 50's" que inaugura su Space II y "Vanity Fair, 100 Years of Photography". Estas son sus respuestas.

Arteinformado

Los dibujos del primer Warhol, en Madrid

Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books

Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

La exposición Warhol and Dance, New York in the 50’s refleja el interés del artista en esta disciplina a través de 60 dibujos de bailarines, coreógrafos y críticos que realizó en el Nueva York de principios de 1950. De exponentes de ballet clásico, como el Ballet Ruso, a la danza moderna; del claqué a las manifestaciones étnicas. Warhol ofrece un compendio simbólico a la floreciente creatividad que convertiría a Nueva York en la capital mundial de la danza de 1960 a 1990.

Con la exposición “Warhol & Dance, New York in the 50’s” de Andy Warhol Ivorypress Art + Books inaugurará un nuevo espacio en Madrid, el próximo 27 de octubre. Space II, contiguo al actual espacio en la calle Comandante Zorita, estará dedicado a mostrar obra en papel, fotografía y ediciones especiales, a través de exposiciones con carácter más íntimo y reducido.

Vintagebarcelona.

'Dance Diagram 5. Foxtrot: The Right-turn Man' by Andy Warhol (1962)

 

 

Andy Warhol's "Walter Terry," 1952

Madrid en Danza III - Giselle- Mats Ek

DOLORES MAYÁN

Giselle, Mats Ek

Ballet de la Ópera de Lyon, Director: Yorgos Loukos

Giselle, Mats Ek

25 Aniversario Estreno en la Comunidad de Madrid Duración: 1 hora y 30 minutos (con intermedio) Género: Danza Contemporánea
País: Francia

Giselle, Mats Ek

Al igual que Tartufo de Molière o Berenice de Racine para el teatro clásico, Giselle es, para la danza, la referencia del ballet romántico. Creado en 1841 en la Ópera de París (en aquel entonces situado en la calle Le Peletier), reúne todos los elementos de la corriente estética y filosófica que recorre la primera mitad del siglo XIX: la ensoñación y lo irreal que irrumpieron en la literatura, el teatro, la ópera y la danza para oponerse a un mundo cotidiano demasiado materialista. Sólo el amor - como el arte - tiene el poder de transcender la muerte ya que la felicidad terrestre está considerada como un ideal inalcanzable. Así, la pobre Giselle, seducida por un gran señor, un hombre más inconsecuente que malo, morirá de dolor al descubrir la mentira que sufrió (el príncipe Albrecht se hizo pasar por un sencillo campesino mientras estaba prometido a la princesa Bathilde). Convertida en espíritu sobrenatural, en alma errante, Giselle se junta en el bosque con las sombras blancas de otras novias fallecidas, las Willis, quienes se vengan de los hombres atrayéndoles, de noche, para perderles en las tinieblas. Ante los remordimientos sinceros de Albrecht, Giselle perdonará y defenderá su príncipe hasta el alba, salvándole la vida.

La coreografía tradicional de Giselle (concebida por Jean Coralli y Jules Perrot para Carlotta Grisi y Lucien Petipa, el hermano mayor de Marius) sigue teniendo esa asombrosa capacidad para traducir los movimientos psicológicos de los personajes gracias a la danza, como si el sentimiento interior condujera los pasos.

El sueco Mats Ek, en su relectura de Giselle en 1982 para el Ballet Cullberg, ha tenido la audacia de llevar al paroxismo lo que era ya latente. Manteniendo el "guión" de origen (el libreto escrito por Théophile Gautier) y la música de Adolphe Adam, Mats Ek acentúa lo trágico de la situación, haciendo de Giselle la tonta del pueblo, engañada por un Don Juan llegado de la ciudad decidido a pasar un buen momento con sus amigos. Desestabilizada, Giselle pierde la razón. No morirá por ello pero terminará en un manicomio: las telas y los tutús largos de las Willis dejan su lugar a las blusas de las enfermeras y a las camisas de fuerzas. Hilarion, el amigo de infancia, no abandona a Giselle y trata de traerla de vuelta a la realidad. En vano. El espíritu de la joven ha dejado este mundo de manera definitiva.

Albrecht, el play-boy seductor, muy atraído por esta criatura, tan distinta a su frívolo entorno, volverá a encontrarse con Giselle en el hospital. Una visita iniciática que le abrirá las puertas de otra vida; el amor de Giselle le hará descubrir la vanidad de las cosas y la verdad del corazón. La transposición de Mats Ek no tiene nada de facticio: la puesta en escena visionaria conlleva una violencia y un expresionismo moderno que siguen conmoviéndonos profundamente.
Josselyne Le Bourhis, programa de noche - marzo de 2009

opera-lyon

cullbergbaletten.se

Wim Vandekeybus - nieuwZwart

DOLORES MAYÁN

ÚLTIMA VEZ

Wim Vandekeybus

nieuwZwart

"Estremecedor, brillante, aéreo y salvaje es el baile de nieuwZwart (nuevo negro)[…] El mago Vandekeybus arroja con su varita al público en los cráteres oscuros que pueblan el escenario, ese pozo oscuro y cruel que le atormenta. Lo logra a ritmo de rock".
- Carmen del Val, El País


Para su obra nieuwZwart (en neerlandés, "Nuevo negro"), Wim Vandekeybus ha organizado un grupo compuesto por siete intérpretes, cuatro hombres y tres mujeres. Después de anteriores colaboraciones, como Scratching the Inner Fields (2001), Blush (2002) y Sonic Boom (2003), el autor flamenco Peter Verhelst blande el lápiz para escribir los textos. Para la interpretación de éstos se une a los bailarines Kylie Walters (Menske). El ecléctico y aventurero músico de rock belga Mauro Pawlowski traslada su universo a este proceso creativo, no sólo componiendo la música original, sino acompañando a los intérpretes en vivo, en el escenario, junto a otros dos músicos. Además de
los bailarines y de los músicos, Wim Vandekeybus explora otros aspectos de la nueva creación: el cuerpo en su momento, el alma (que no tiene edad) y el peligro de las pasiones humanas. Los cambios acelerados que sufre un cuerpo en su entorno, los instintos de la naturaleza, irrevocables e inevitables, y cómo los seres humanos dan o no dan sentido a su existencia en estos tiempos; lo moral y lo amoral, lo absurdo de las asociaciones de ideas puestas en perspectiva en un corpus de velocidad, suspense y temperamento emocional.
Con la estimulante representación en vivo, acompañada de los sonidos de Mauro Pawlowski y los dos músicos y los textos poéticos de Peter Verhelst, la audiencia entra en un mundo nuevo de energía indómita y salvaje.











SOBRE LA COMPAÑÍA

El director, coreógrafo, actor y fotógrafo Wim Vandekeybus nació el 30 de junio de 1963 en Lier (Belgium).
Criado en un ambiente rural –era hijo de un veterinario– Vandekeybus tuvo contacto frecuente con los animales en su entorno natural. Estas experiencias tuvieron un enorme impacto emocional en él. Los animales, sus movimientos, sus reacciones instintivas y su confianza en su propia fuerza física son elementos que incluye a menudo en sus obras.
En 1986, se queda durante varios meses en Madrid con un grupo de jóvenes bailarines sin experiencia, para trabajar en su primera producción. Allí funda su compañía Ultima Vez (llamada originalmente así, en castellano).
Desde su primer trabajo, en 1987, What the Body Does Not Remember ("Lo que el cuerpo no recuerda"), Wim Vandekeybus ha creado casi veinte espectáculos con repartos internacionales que van cambiando y ha producido un número similar de películas y videos. Desde esta primera representación la música ha sido siempre un estímulo para sus producciones. Ha ejercido además como comisario de las obras de –entre otros– Peter Vermeersch, Thierry De Mey, David Byrne, Marc Ribot, Charo Calvo, Eavesdropper y David Eugene Edwards.
La última producción de Ultima Vez, nieuwZwart (2009), con un reparto completamente nuevo, se estrenó en Barcelona a principios de mayo de 2009. El músico de rock belga Mauro Pawlowski compuso la música original, que interpreta en vivo junto a otros dos músicos.

WIM VANDEKEYBUS

“A los bailarines no les enseño pasos, les indico trayectorias”

Vandekeybus y su compañía -última Vez- son conocidos por un tipo de trabajo de gran fisicidad y riesgo, una tensión escénica que sus intérpretes mantienen en todo momento, de gran variedad de físicos y personalidades. Desde la creación de su primera obra What the Body Does Not Remember en 1987, en la cual los bailarines se desplazaban en el escenario entre un milimetrado juego de lanzamiento de ladrillos en el aire que mantenía en vilo al público, Vandekeybus sigue explorando con sus intérpretes mundos propios, ajustándose a las cualidades de estos, cada uno con una personalidad indeleble en escena pero compenetrados al máximo. El interés por el cine influye también en su forma de construir sus coreografías y la interacción entre los intérpretes.


Sobre la forma de trabajar, el coreógrafo también señala sus diferencias: “Los bailarines están acostumbrados a entrar en el estudio y aprender pasos. Yo me niego a darles pasos, les dirijo y les explico la trayectoria que tienen que hacer en el espacio, pero esta manera de trabajar es muy nueva para ellos y les requiere otra manera de acercarse a la obra. Empiezan a hablar, a investigar cosas, y a probar si son capaces de hacerlo. Tiene que haber una sensación de compromiso y apoyo mutuo entre ellos para que la obra salga bien. Hay momentos en los cuales aparentemente no ocurre nada, pero la tensión y la atención está en niveles muy altos. Es algo sencillo pero de eso depende si se percibe una magia en escena o no.”



Entrevista a Wim Vandekeybus

Spellbound Dance Company

DOLORES MAYÁN

 

Spellbound Dance Company

Spellbound Dance Company

 

 

Spellbound Dance Company

 

 

Carmina Burana

 

Carmina Burana se considera un grito arrebatado de la contradicción, que se coloca sin miedo frente a la infracción, y se opone al tabú con la intención de destruirlo, desafiando a censuras y anatemas, jugando al juego cotidiano de enfrentamiento con la muerte y recuperando el caos de Pan mediante la armonía de Orfeo, aceptando la realidad sin espiritualizarla, sobrepasando tal vez los límites de lo vulgar y lo obsceno. Nosotros vivimos en el presente, no esperamos remuneración futura, no estamos agradecidos a dioses con rostro pagano que no amenazan con castigos ni prometen recompensas. Sólo tenemos lo que nos da la contingencia más inmediata: no los Dioses, sino otros demonios que nos son más familiares, como Eros, "el gran demonio", como lo denomina Platón. Todo lo demoníaco se encuentra entre lo divino y lo mortal".

- Riccardo Reim

En la abadía de Benediktbeuren se encontraron muchos manuscritos de Carmina Burana, más de 300. De allí tomaron su nombre. La mayoría de ellos datan del siglo XIII, cuando no era extraño -si uno recorría Alemania y Sajonia- encontrarse con los goliards (el nombre dado por la tradición italiana a los estudiantes universitarios, que nada tenía que ver con sus denominaciones medievales) o, dicho literalmente, los clerici vagantes: es decir, vagabundos con cultura, expertos en la tradición poética grecolatina, bardos del vino, las mujeres, la holganza y el juego. Es una poesía de lo burlesco, insolente y subversiva, que habla del cuerpo y sus aventuras cotidianas y que expone sus funciones de la manera más llana. El idioma de la ratio no se domina, el decorum se deja de lado y lo divino se ridiculiza con las llamadas kontrafakturen, remedos de himnos y motivos religiosos cantados en tono profano que suenan como una parodia del Evangelio, la confesión y la letanía.

Aquí Eros vence a Thanatos, y el homo faber se convierte en homo ludens. "Venus me telo vulneravit / aureo, quod cor penetravit": el cuerpo (a diferencia de esas almas condenadas de los Juicios Finales representados en la pintura medieval, que no conocen la prosperidad en la resurrección, sino únicamente la degradación, la enfermedad y las pústulas) nunca se muestra como algo animal, algo sucio, sino que se eleva, se libera y se disfruta, como en los versos de Ovidio, Marcial y Catulo. De esta curiosa mezcla de vulgaridad plebeya y refinamiento cortesano, Mauro Astolfi crea -o mejor, deduce- en total libertad y sin intención filológica alguna, una coreografía compuesta por movimientos amplios y excesos (no en vano, es un artista que no tiene nada que ver con el ritmo "medio"), donde el espacio desempeña un papel esencial. La coreografía se divide en tres movimientos: comienza con una agresión brutal (¿una violación, tal vez?) bajo la lluvia y continúa con una parte grotesca e irreverente con ecos de la juglaría, para terminar en el incendium cupiditatum, el estallido de las pasiones, que tiene lugar en la taberna (concebida aquí también como burdel), el lugar donde se satisfacen los instintos más básicos. En esta coreografía hay dos símbolos clave: un gran armario y una mesa. El primero, en el que se guardan los cuerpos de los bailarines como si fueran harapos, se ve como un lugar para los recuerdos, los secretos, los esqueletos ocultos; la mesa es el altar del sacrificio de la voluptas, representada por cuerpos que se exhiben como si fueran apetecibles viandas.

madrid.org/madridendanza/2010

spellboundance

Richard Serra , Premio Principe de Asturias

DOLORES MAYÁN

“El rol social que juega el artista es el que el gobierno y el país le dejan.

Richard Serra

"El arte es, por definición, una rebelión permanente"

Bea ESPEJO | Publicado el 22/10/2010

La estrecha relación que el escultor norteamericano Richard Serra tiene con España queda hoy patente con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2010. Un galardón que corrobora la gran influencia del artista en la creación actual.

Como amante que es de las listas y las clasificaciones, Richard Serra (San Francisco, 1939) recurre a una de ellas para referirse a su reciente Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2010: “Acepto este premio con gran honor, tributo, entusiasmo, alegría, orgullo y satisfacción”. El actual galardón engrosa unas cifras que tienen, en su trayectoria, tanto peso como sus esculturas: a sus 71 años, es uno de los diez artistas vivos más cotizados, ha participado en más de 450 exposiciones desde 1968 y trabaja con 46 galerías en todo el mundo, entre ellas, las españolas Carreras Múgica de Bilbao y La Caja Negra de Madrid. “Mi vida profesional está empotrada en España -añade- puesto que ha sido este país el que me ha ayudado a desarrollar algunos de mis mejores proyectos, como La materia del tiempo para el Museo Guggenheim de Bilbao, uno de los más satisfactorios. Por eso es particularmente importante este premio”.

A una lista recurre también cuando recuerda cómo empezó todo: “De los 16 a los 22 años trabajé en una acería. Pude ver entonces cómo el acero era perforado, cortado, enrollado, laminado, transportado, ajustado, amontonado y conformado”.

El hombre de acero
Aunque comenzó trabajando con caucho, tubos de neón, látex o plomo fundido, mediante trabajos completamente abstractos, no tardó en convertirse en el hombre de acero. Para muchos, pionero del arte minimalista: “Lo que realmente me interesa es la construcción de espacios y el acero es el material que me permite hacerlo. Me ofrece la posibilidad de fabricar formas muy particulares. Aunque el acero es sólo la envoltura, la piel de los espacios. Lo realmente importante en mis obras es el movimiento y las sensaciones, no el volumen ni el peso”.

-¿Tienen sus obras un itinerario determinado?
-Las piezas no imponen una narrativa particular, no obligan al espectador a comportarse de una manera específica ni a seguir un recorrido determinado. El espectador puede hacer lo que quiera, caminar al lado de la pieza, entrar, salir, hacer lo que se le ocurra. Cada uno reinventa su propia experiencia con la pieza.

-¿Y cómo la reinventa usted?
-Para poder inventar, me parece necesario transformar el arte en una práctica de juego, en experimentación conceptual. Libre de escepticismo, el juego renuncia al control y nos permite hallar soluciones o, en cualquier caso, inventárnoslas. Sin embargo, hasta en el juego es necesario trabajar con convicción.

Que Serra iba a ser artista lo sabe con certeza desde los cuatro años, cuando vió botar un buque desde un astillero de San Francisco, donde trabajaba su padre. Sus notas recordando ese hecho, publicadas años más tarde, recogen conceptos presentes en toda la trayectoria escultórica: desproporción, desplazamiento, ansiedad, equilibrio, transformación, quietud, peso... “Los recuerdos latentes, aquellos que no tratamos de rescatar conscientemente, pueden actuar de catalizador. La idea nostálgica de la página en blanco o del lienzo vacío es un timo. Pensar que podemos prescindir de la historia y hacer borrón y cuenta nueva es una ilusión”.

-De hecho, algunos momentos críticos han marcado su carrera, desde el accidente en el Walker Center en 1971, la controversia de su obra Arco inclinado, hasta la polémica por la desaparición de una de sus piezas en el Museo Reina Sofía...
-Uno trabaja a partir de lo que se encuentra en el camino. El miedo y la actitud defensiva pueden ser tanto o más motivadoras que el placer y la alegría.

Viaje al pasado
-Un viaje a España se convirtió en una especie de epifanía. Háblenos de ello... -Cuando tenía poco más de veinte años y vivía en Florencia con una beca Fulbright, hice un viaje a Madrid para visitar el Museo del Prado, donde me encontré por primera vez ante Las Meninas de Velázquez. El cuadro me dejó estupefacto y, cuanto más pensaba en él, más confuso me sentía. La obra me suscitaba muchas interpretaciones contradictorias, ninguna de las cuales respondía a las preguntas que su perspectiva planteaba. Me veía involucrado en el cuadro como el sustituto del tema del cuadro del caballete, y Velázquez me estaba mirando a mí. Aunque en ese momento no logré comprender plenamente el significado, el cuadro me ayudó a ver y a cuestionar la alternancia entre sujeto y objeto.

-¿En ese momento decidió decantarse por la escultura?
-Las Meninas me desafió hasta el punto que decidí que no podía continuar como pintor. El problema espacial que plantea el cuadro se convirtió en una obsesión. Regresé a Florencia, tiré al Arno todos mis lienzos y empecé a trabajar con animales tanto vivos como disecados en jaulas. Cuando lo expuse en Roma, la policía clausuró la muestra. Dos años más tarde Kounellis alineó sus 12 caballos, así que mis obras, sin quererlo, conectaron con el Arte Povera.

-Eso fue en 1966, cuando en Estados Unidos el Pop Art estaba en toda su expansión y Donald Judd y Frank Stella eran los maestros del primer minimalismo. ¿Cómo encajó con eso?
-Cuando regresé a Nueva York, el mundo de los críticos, galerías y museos estaba totalmente cerrado para mí. Tenía la necesidad de conservar mi creatividad independiente y me ayudaron otros artistas que estaban en la misma situación que yo, como Eva Hesse, Robert Smithson, Joan Jonas o Claes Oldenburg. A todos nos interesaba estudiar la lógica de los materiales y sus posibilidades, ya fuera el sonido, el plomo, la película o el cuerpo.

-¿Cómo ha cambiado su trabajo en todo este tiempo?
-El trabajo emerge del trabajo. Las primeras obras trataban de la relación con los materiales y el proceso y, en las últimas, hago hincapié en la construcción y el movimiento a través del espacio.

Regreso al futuro
Apenas da pistas de los tres proyectos que actualmente tiene en marcha, aunque no escatima en detalles al hablar sobre los actuales errores en el arte actual: “El rol social que juega el artista es el que el gobierno y el país le dejan. La globalización ha transformado el mundo del arte en una industria cultural y mercantil, en lhttp://esarqtaller.wordpress.com/2009/01/a que los artistas son auténticas víctimas. Cambiar eso es complejo, ya que no se puede prever cómo actuará la nueva generación de artistas. Aunque el arte, por definición, es una rebelión permanente contra su propia tradición. Los movimientos siempre reemplazan movimientos.

-¿Qué artistas contemporáneos invitan, según usted, al cambio?
-Bob Ryman, Bruce Nauman, Steve McQueen...
-¿Podría recitar un vademécum para los más jóvenes?
-Persistencia, obstinación, paranoia, masoquismo, estoicisimo y autocrítica. Un continuo análisis de uno mismo.


elcultural.es

richard serra

Richard Serra (n. San Francisco, Estados Unidos, 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Estudió Literatura en la Universidad de Berkeley, entre 1957 y 1961. Posteriormente estudió Arte en la Universidad de Yale. Mientras vivía en la costa oeste, se mantenía trabajando en una acerería, actividad que lo influyó en su trabajo.

El acero corten es un tipo de acero realizado con una composición química que hace que su oxidación tenga unas características particulares que protegen la pieza realizada con este material frente a la corrosión atmosférica sin perder prácticamente sus características mecánicas.

En la oxidación superficial del acero corten crea una película de óxido impermeable al agua y al vapor de agua que impide que la oxidación del acero prosiga hacia el interior de la pieza. Esto se traduce en una acción protectora del óxido superficial frente a la corrosión atmosférica, con lo que no es necesario aplicar ningún otro tipo de protección al acero como la protección galvánica o el pintado.

El acero corten tiene un alto contenido de cobre, cromo y níquel quehace que adquiera un color rojizo anaranjado característico. Estecolor varía de tonalidad según la oxidación del producto sea fuerte o débil, oscureciéndose hacia un marrón oscuro en el caso de que la pieza se encuentre en ambiente agresivo como a la intemperie. El uso de acero corten a la intemperie tiene la desventaja de que partículas del óxido superficial se desprenden con el agua, quedando en suspensión y siendo arrastradas, lo que resulta en unas manchas material de óxido muy difíciles de quitar en el que se encuentre debajo del acero corten.

El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos y de hojas del acero corten. Muchos de estos pedazos son autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales. Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de oxidación, pero después de 8 a 10 años, este color se mantiene relativamente estable.

esarqtaller.wordpress.com

Centro Coreográfico Galego

DOLORES MAYÁN

BSTUDIODANZA

Emilia Pardo, Vanesa Otera, Celia Mayer, Dolores Mayan


www.bstudiodanza.com

RECIBIRÁN O APOIO ECONÓMICO E A ASISTENCIA TÉCNICA E ARTÍSTICA DA UNIDADE DE DANZA DA AGADIC PARA DESENVOLVER OS SEUS PROXECTOS UN SHU E UNO, RESPECTIVAMENTE

O Centro Coreográfico Galego coproducirá os novos espectáculos de BStudiodanza e Nabeirarrúa Danza

[09/10/2010] As compañías BStudiodanza e Nabeirarrúa Danza contarán co apoio económico e a asistencia técnica e artística do Centro Coreográfico Galego (CCG) para desenvolver os seus próximos espectáculos, que foron seleccionados entre un total de 22 proxectos presentados á convocatoria de coproducións da unidade de danza da Agadic (Axencia Galega das Industrias Culturais).

O CCG destinará un total de 24.200 euros a ambas as coproducións, dos que 15.800 euros corresponden ao proxecto Nu Shu. A escrita secreta das mulleres presentado pola formación compostelá BStudiodanza (BStudio Galicia) e os 8.400 euros restantes a UNO, proposta de Nabeirarrúa Danza, compañía con base en Madrid que integran a galega Anuska Alonso e a vasca Mar López. Ademais da achega económica, os proxectos elixidos recibirán asistencia artística e técnica a través dun servizo de análise, asesoramento e planificación de estratexias de xestión, financiamento e comercialización, entre outras cuestións.

A directora do Centro Coreográfico Galego, Mercedes Suárez, foi a encargada de seleccionar os proxectos, previa valoración dun comité técnico nomeado para este fin. Na súa decisión tivéronse en conta aspectos relacionados coa calidade e interese da proposta artística, coa traxectoria profesional e solvencia da compañía, coa súa posible achega ao desenvolvemento e renovación das artes escénicas en Galicia e coa viabilidade financeira.

Universo feminino

A través da primeira destas pezas, a directora de BStudiodanza, María Dolores Mayán, propón unha indagación sobre a condición de muller, sobre os atributos particulares, o contorno e a longa tradición cultural arredor do universo feminino. Nu Shu. A escrita secreta das mulleres inspírase na novela O abano de seda, na que a autora estadounidense de orixe chinesa Lisa See retrata a vida das mulleres dunha remota provincia de China que para comunicarse libremente entre si crearon a escrita "nu shu", só coñecida por elas.

Cunha consolidada traxectoria no ámbito coreográfico galego, BStudiodanza incide de novo no contido social dos seus proxectos artísticos, a través dos que busca promover a sensibilización sobre o tema da igualdade reivindicando e homenaxeando o papel das mulleres ao longo da historia. A estrea deste novo espectáculo, con dirección de María Dolores Mayán e un elenco de tres bailarinas, está inicialmente prevista para mediados do mes de febreiro.

Pola súa banda, Nabeirarrúa Danza propón a través do proxecto UNO unha investigación sobre os conceptos "corpo" e "tempo" e as súas posibles relacións, tratando o tempo dende as diferentes perspectivas e trasladando os seus múltiples significados ás accións corporais e aos obxectos e ambientes escenográficos. A estrea do espectáculo resultante terá lugar no mes de decembro.

Nabeirrarúa é unha compañía de recente creación, que naceu a raíz do espectáculo A 2 centímetros del suelo, no que coincidiron Anuska Alonso e Mar López. Xuntas comezan a investigar no marco da escena contemporánea actual, trasladando ás súas creacións a súa experiencia como integrantes de recoñecidas formacións (Losdedae, 10&10 Danza e Cía. Daniel Abreu, entre outras).

Xunto con estes dous proxectos, tamén resultou seleccionada dentro do programa de coproducións do CCG a proposta Terra húmida presentada pola compañía Entrecaixas, que finalmente renunciou á concesión.

www.agadic.

Nushu: la lengua que sólo conocían las mujeres

Written by Jesús HernánSaturday, 10 September 2005 19:42

En septiembre de 2004 murió en China la anciana de 98 años Yang Huanyi. Con ella murió también una extraña y misteriosa lengua que se transmitía únicamente entre mujeres, el nushu.

¿Nushu?

“Nushu” escritura de mujeres. Es un código escrito creado hacia el siglo III por mujeres no escolarizadas, rurales y sometidas a las estrictas normas de la sociedad rural y patriarcal china.
Este código se transmitía de generación en generación. La tierra donde nació el nushu era muy rica y fértil. Las mujeres no tenían la necesidad de trabajar en el campo y se dedicaban a labores artesanales como tejer o hacer zapatos. Mientras los hombres cuidaban el campo, las mujeres compartían una intimidad cotidiana y excepcional durante las horas de trabajo.

Sin embargo, las mujeres vivían oprimidas y no podían comunicarse libremente entre ellas. Es más, a cierta edad las obligaban a casarse y, si el marido era de otro poblado, a abandonar su hogar para instalarse en un territorio que solía ser mucho más hostil. La vida de casada se convertía en un infierno y muchas mujeres morían jóvenes.

El nushu era para las mujeres la lengua de la vida cotidiana, de las emociones, de la espontaneidad, del mundo natural, de los sueños y de los deseos. El nushu era el lazo que las hermanaba poéticamente, más allá de su triste realidad.

El difícil rastro del nushu

El nushu era el único lenguaje del mundo exclusivamente de mujeres. Casi no ha quedado documentación escrita, puesto que era costumbre quemar o enterrar con las muertas los manuscritos en nushu.

Además de literatura y folclore, las inscripciones en esta lengua pueden verse en diarios y abanicos donde se han encontrado reflexiones íntimas, consejos, correspondencia, así como descripciones de bombardeos y guerras.

Actualmente, el gobierno chino se está esforzando por recoger y recopilar los escritos a fin de poder conservarlos como parte invalorable de la herencia cultural china.

www.portaleureka.com

coproducións

BStudiodanza e Nabeirarrúa contarán con apoio de Agadic

REDACCIÓN

As compañías BStudiodanza e Nabeirarrúa Danza contarán co apoio económico e a asistencia técnica e artística do Centro Coreográfico Galego (CCG) para desenvolver os seus próximos espectáculos, que foron seleccionados entre un total de 22 proxectos presentados á convocatoria de coproducións da unidade de danza da Agadic (Axencia Galega das Industrias Culturais), informa esta entidade na súa páxina web.
O CCG destinará un total de 24.200 euros a ambas as coproducións, dos que 15.800 euros corresponden ao proxecto Nu Shu. A escrita secreta das mulleres presentado pola formación compostelá BStudiodanza e os 8.400 euros restantes a UNO, proposta de Nabeirarrúa Danza, compañía con base en Madrid que integran a galega Anuska Alonso e a vasca Mar López.
A través da primeira destas pezas, a directora de BStudiodanza, María Dolores Mayán, propón unha indagación sobre a condición de muller, sobre os atributos particulares, o contorno e a longa tradición cultural arredor do universo feminino. Nu Shu. A escrita secreta das mulleres inspírase na novela O abano de seda, na que a autora estadounidense de orixe chinesa Lisa See retrata a vida das mulleres dunha remota provincia de China que para comunicarse libremente entre si crearon a escrita "nu shu", só coñecida por elas.

GaliciaHoxe.com

Portada » Hemeroteca web

www.galiciahoxe.com

Creadora con base en Santiago de Compostela y con más de treinta años de experiencia en el arte de la danza (docencia, creación, investigación, educación...y una búsqueda constante de formas, espacios, músicas, expresiones ... diferentes, buscando contar historias cercanas al público que provoque la reflexión dentro de una plástica que penetre por los sentidos) es una de las fundadoras de la danza actual en Galicia.
En sus creaciones se relatan historias de mujeres, con la finalidad de incentivar el pensamiento crítico y la reflexión, poniendo la danza al servicio de la comunicación.

www.facebook.com